Significado de Teatro Neoclásico

El teatro neoclásico, a menudo escrito como teatro, se refiere a un movimiento de mediados del siglo XVII a principios del XVIII en el que las artes teatrales fueron definidas por las ideas y estilos de las antiguas sociedades griegas y romanas.

La gente de la época ponía un gran énfasis en el decoro, el comportamiento digno y el realismo, y creían que las principales razones para una obra de teatro eran proporcionar entretenimiento y dar una lección.

Escenarios grandiosos e intrincados, drama elaborado y una estricta preocupación por los clásicos fueron características del movimiento, y la mayoría de las producciones también se caracterizaron por el uso de cinco actos, pocas representaciones y un alto nivel de improvisación. El movimiento comenzó en Francia pero se extendió rápidamente por Europa y más allá.

El movimiento del teatro neoclásico comenzó en Francia, pero se extendió rápidamente por toda Europa.

Principio Rector de la Era

La filosofía general durante la era neoclásica era que los períodos anteriores habían sido demasiado laxos, centrándose excesivamente en las emociones y el individuo.

La gente de la época creía que, como resultado, era necesario ejercer cierta moderación y concentrarse más en lo que cada persona podía aportar a toda la sociedad.

Buscaron inspiración sobre cómo hacer esto en las culturas de los antiguos griegos y romanos, los clasicistas originales, e intentaron volver a la forma en que esos grupos habían manejado la vida y las artes.

La idea de que una obra de teatro debe estar estructurada con exactamente cinco actos se vincula con los tres principios ideados por Aristóteles.

Las Cinco Reglas del Teatro Neoclásico

La actitud de los neoclásicos hacia el exceso y el individuo los llevó a desarrollar un estricto conjunto de pautas de lo que era apropiado en el teatro. Estos incluían cinco reglas básicas: pureza de forma, cinco actos, verosimilitud o realismo, decoro y propósito. Las casas de juego generalmente rechazaban guiones o producciones que no cumplían con estos requisitos.

Los dramaturgos y actores del período neoclásico reconocieron oficialmente solo dos tipos de obras: la comedia y la tragedia. Nunca los mezclaron, y la restricción llevó al uso del ahora conocido par de máscaras felices y tristes que simbolizan las artes teatrales.

Además, estipulaciones adicionales regían el tema y los personajes que podían aparecer en cada género de juego. Las comedias, que eran sátiras o comedias de modales, tendían a centrarse en los rangos inferiores de la sociedad, mientras que las tragedias retrataban las vidas complejas y fatídicas de las clases altas y la realeza.

La adherencia a estos géneros fue fundamental para el éxito de una obra, y desviarse de estos límites de clase iba en contra del orden de los clásicos.

La idea de que una obra de teatro debe estar estructurada con exactamente cinco actos se vincula con los tres principios, o unidades, ideados por Aristóteles.

Como filósofo y analista, creía que un buen teatro realista requería unidad de acción, lugar y tiempo, es decir, muy pocas subtramas, restricción de cambios de ubicación o geografía y mantener la línea de tiempo de la trama en no más de 24 horas.

Los dramaturgos que se mudaron a diferentes formatos generalmente se encontraron con fuertes críticas. Además de la limitación de cinco actos, las producciones más serias recibieron solo una o un puñado de actuaciones, porque los involucrados querían evitar la creación de espectáculos y atraer a la élite o los eruditos de la sociedad, lo que resultó en audiencias mucho más pequeñas.

Las personas que vivían en este período también esperaban que los actores fueran lo más realistas posible y que retrataran a sus personajes exactamente como se habrían comportado.

En otros estilos de teatro, los actores eran conocidos por ser demasiado dramáticos o actuar fuera de su clase o rol, pero el neoclasicismo requería una estricta adherencia a la clase, el estatus social, el temperamento y el género.

Los elementos fantásticos o sobrenaturales, junto con los soliloquios y los coros, generalmente no se incluían, porque no representaban la experiencia o el comportamiento del mundo real.

El decoro pidió guiones para demostrar imparcialidad en la forma en que los personajes fueron retratados y juzgados en el escenario.

También significaba que se impartiría justicia cuando fuera necesario, por lo que en general no hubo finales sorpresivos en el teatro neoclásico en el sentido de que los personajes con un juicio moral sólido siempre eran recompensados ​​y aquellos que habían tomado decisiones malas o malas eran castigados.

En última instancia, se suponía que las producciones cumplirían el propósito de enseñar alguna lección moral y entretener.

Teatro Neoclásico: Escenario, Decorados y Vestuario

Los escenarios del teatro neoclásico eran dramáticos, elaborados y ricos en coreografía. Fueron diseñados para proporcionar un telón de fondo exuberante a cada escena y ayudar a la audiencia a perderse en el drama.

Otro objetivo era proporcionar una ilusión realista de profundidad y percepción. Los escenarios mismos fueron rediseñados durante este período con arcos dramáticos para resaltar las escenas y múltiples puntos de entrada al escenario.

La idea de cambiar el escenario y los fondos se hizo más prominente, particularmente con la invención de sistemas de poleas que permitían que las partes se movieran más rápidamente por el escenario.

Los efectos de iluminación y sonido realzaban el estado de ánimo y el mensaje de cada escena, mejorando la experiencia dramática.

Naturalmente, las prendas monótonas habrían parecido algo fuera de lugar en el contexto de estos nuevos decorados y diseños escénicos. Aunque los disfraces mantenían un sentido de realismo, seguían siendo muy coloridos, a menudo usaban encajes y otros adornos para hacerlos más atractivos. A veces, los que estaban en la obra también usaban máscaras, siguiendo el estilo de la commedia dell’arte.

Improvisación

En muchos casos, los dramaturgos proporcionarían solo un esquema general de la trama, y ​​se esperaba que los actores improvisaran para llenar cualquier vacío.

Esto era más común con las comedias, pero ocurrió en ambas formas, porque presentar una actuación a menudo era una decisión espontánea que no siempre dejaba mucho tiempo para escribir o ensayar.

En algunas compañías, la gente se especializaba en interpretar un número muy limitado de personajes para poder captar mejor a las personas sobre la marcha, y algunos actores se dedicaban a interpretar los mismos papeles a lo largo de toda su carrera.

Introducción de Mujeres

Durante cientos de años, solo a los hombres se les permitió estar en el escenario. La opinión general era que las mujeres no debían participar en espectáculos públicos ni ocupar una posición más destacada, y algunas personas creían que las mujeres estaban tan ocupadas pensando en otras cosas que no podían recordar ni pronunciar líneas correctamente.

Como resultado, los niños u hombres prepúberes que podían manipular sus voces tomaron papeles femeninos. Durante el período neoclásico, sin embargo, a las mujeres se les permitió ser accionistas de compañías de teatro y participar en producciones, lo que resultó en algunas de las primeras actrices profesionales remuneradas.

Principales Dramaturgos

Si bien hubo muchos dramaturgos exitosos durante el movimiento neoclásico, tres dramaturgos lograron una cantidad significativa de éxito y notoriedad.

Pierre Cornielle (1606 – 1684) es a menudo llamado el padre de la tragedia francesa, escribiendo guiones durante más de cuatro décadas. Jean-Baptiste Poquelin, más conocido como Molière (1622 – 1673), es conocido por sus comedias. Jean Racine (1639 – 1699) fue un trágico amado por su enfoque simplista de la acción y los ritmos y efectos lingüísticos que logró.

Estos tres hombres pudieron tomar elementos de la literatura clásica griega y romana y transformarlos en obras de teatro que se adhirieron a los estándares neoclásicos de decoro, tiempo y espacio.

Qué es Teatro Neoclásico